Franck Pourcel

“En el extraño mundo de la farándula, donde se pueden encontrar desde estafadores hasta mercaderes de ilusiones, hay un hombre distinguido, cuya apariencia es más la de un diplomático que la de un artista: Franck Pourcel es un hombre discreto, modesto y sin pretensiones de ninguna clase. Este hombre callado, de elegante silueta, ha grabado y vendido más discos que la mayoría de los artistas franceses combinados. Su carrera se expande por el mundo del espectáculo desde “Candilejas” y “Tango Azul” hasta “Himno para el Concorde” y finalmente “Sólo Tú”. Él es el primer director de orquesta francés que se ha hecho famoso en los Estados Unidos. Estoy ansioso de darle la bienvenida a él y a sus ochenta músicos a mi programa”.

Así describía Michel Drucker en los años setenta a Franck Pourcel (Michel Drucker, periodista, presentador y productor de televisión).

Franck Pourcel (Marseille, 11 de agosto de 1913 - Neuilly-sur-Seine, 12 de noviembre de 2000) fue un destacado director de orquesta francés. Su padre era técnico y músico de la marina francesa.

Su nombre era un tributo al compositor César Franck (su segundo nombre era Marius). A los seis años de edad ingresó en el Conservatorio de Marseille para estudiar violín y percusión, debido a su afición al jazz.

Es considerado, a nivel mundial, como el creador del lounge y la música “easy listening” (fácil de escuchar). Sus obras más famosas incluyen “Only You”, “Arde París”, y “Concorde”, en ocasión del vuelo inaugural del hasta ahora único avión de pasajeros supersónico.

Para visitar su página web, haga click en: http://www.franckpourcel.com/

Franck Pourcel: Concorde (me parece que es su obra más impactante)

Franck Pourcel compuso algunas de las canciones que grabó, pero pocas veces, porque no le gustaban sus propias composiciones.

La más famosa, “Chariot” (compuesta en 1961), empezó como una broma. La compuso junto con sus amigos Paula Mauriat (aparecen los dos con seudónimos, J. W. Stole es Franck Pourcel, y Del Roma es Paula Mauriat) y Raymond Lefevre (con arreglo de Petula Clark). Inventó la historia de que la canción era la banda sonora de una nueva película de “western” producida por la 20th Century Fox. “You´ll never see it”. Con letra de Jacques Plante, Petula Clark la cantó, y obtuvo un gran éxito. En los Estados Unidos la canción fue finalmente adaptada al inglés por Arthur Altman y Norman Gimbel, y fue grabada como “I will follow him” por Little Peggy March (de quince años de edad). Para abreviar, aparece en la película “Sister Act” con Whoopy Wooldberg.

Tito Puente

En virtud de sus formas cálidas, extravagantes, su longevidad, sus constantes giras, y sus apariciones en los medios de comunicación, Tito Puente es posiblemente el símbolo más querido del jazz latino. Pero no solo eso: Puente logró mantener su música bien fresca a lo largo de los años; como un virtuoso de los timbales, combinaba su dominio sobre todos los matices rítmicos con su talento para el espectáculo –ver sus ojos desorbitados cuando emprendía un solo dinámico, era el mayor de los placeres para sus fanáticos de jazz latino. Un músico bien preparado, pero también un fino vibrafonista lírico, un excelente arreglador; tocaba el piano, congas, bongós, y el saxofón. Su encanto sigue llegando a todas las edades y grupos étnicos, sin dudas con la ayuda de las versiones más vendidas de Santana de “Oye como va” y “Para los rumberos” en 1970-1971, y sus actuaciones especiales en “The Cosby Show” en los años de 1980 y la película “Los reyes del Mambo” en 1992. Su estilo de salsa clásico en general está libre de sustratos oscuros, irradiando una atmósfera festiva vibrante, alegre, bailable compulsivamente.

Arraigado en el Harlem español, descendiente puertorriqueño, Puente ya estaba destinado a convertirse en bailarín, pero este sueño se vio truncado por un accidente en el que se desgarró los tendones. A los 13 años de edad, comenzó a trabajar la banda de Ramón Olivero como baterista, y más tarde empezó a estudiar composición, orquestación, y piano, en Juilliard y en la New York School of Music. Y lo más importante todavía, fue que tocó con (y absorbió la influencia de) Machito, que estaba fusionando con mucho éxito ritmos latinos con jazz progresivo. En 1947 formó el grupo Piccadilly Boys, de nueve integrantes, y luego aumentó este número hasta formar una verdadera orquesta dos años más tarde; grabó para Seeco, Tico, y finalmente para RCA Victor, ayudando a alimentar la locura por el mambo hasta el punto que le dio el título (no oficial pero que le quedó de por vida) de “Rey del Mambo”, o simplemente “El Rey”.

Puente también ayudó a popularizar el cha-cha-cha durante la década de 1950, y fue el único no-cubano invitado a las celebraciones por los “50 años de Música Cubana”, patrocinadas por el gobierno, en Cuba en 1952.

Entre los congueros de las “grandes ligas” que tocaron con la banda de Tito Puente en los años 50 estuvieron Mongo Santamaría, Willie Bobo, Johnny Pacheco, y Ray Barreto, encuentros que daban lugar a explosivos tiroteos de percusión (bongós). El rango de Puente se extendió hacia una gran banda de jazz (Puente Goes Jazz), y en los años de 1960, melodías de bossa nova, hits de Broadway, boogaloos, y pop music, aunque años más tarde se inclinó más a quedarse con los antiguos estilos de jazz latino, que se conocieron popularmente como “salsa”.

En 1982 comenzó a desenrollar las cuerdas de varios álbumes de jazz latino con octetos o grandes bandas, para Concord Picante, lo que le dio un mayor grado de exposición y respeto en el mundo del Jazz.

Un incansable visitante de los estudios de grabación, Puente grabó su álbum número 100, “The Mambo King”, en 1991, entre grandes ceremonias y afectos (un concierto con todas las estrellas de la música latina en el Universal Amphitheatre de Los Angeles en marzo de 1992 conmemoré este hito), y se mantuvo agregando más títulos a lo largo de los años 90.

En varias oportunidades apareció como invitado en álbumes, y estrellas del jazz como Phil Woods, George Shearing, James Moody, Dave Valentin, y Terry Gibas tocaron más tarde en álbumes de Tito Puente.

Apenas unos meses después de haber recibido su quinto premio Grammy, murió el 1 de junio del año 2000. Poco después, Puente fue reconocido en la primera entrega anual de los premios Grammy Latinos, ganando como mejor performance tropical tradicional por “Mambo Birdland”.

Tito Puente, "El rey del timbal", en un trío de timbales con los hermanos Pete y Sheila Escovedo.

Tito Puente y El Canario: Oye como va

Sheila E y Tito Puente

Fuente: All Music (http://www.allmusic.com/)

http://www.allmusic.com/cg/amg.dll?p=amg&sql=11:fifpxqw5ld0e~T1

Bibliográficas (Andrés Fidalgo)

La que ahora comentaremos es obra extra-ordinaria. Durante la convalescencia que siguió a su lectura, registramos una serie de notas y cálculos (biliares), que pasamos a expedir.

El libro consta, fundamentalmente, de dos partes:

La primera, una hermosa tapa de cuerina, seguida de portadilla, portada y constancia de inscripción en cierto de propiedad intelectual; detalle este último que motivó ya el pedido de editores piratas para que se otorgue al autor el premio nacional de humorismo.

La segunda, contiene índice y colofón (que no debe ser confundido con el calefón mencionado en el tango Cambalache), para terminar con un impoluto pie de imprenta suscripto por el eminente doctor Scholl.

Entre ambas partes fluctúa una gelatina de quinientas páginas, en la cual se mueven nimiedades o circulan intrascendencias, disimuladas bajo títulos tan sutiles como: Angustias metafísicas después de almorzar; Yo y otras cosas de menor importancia; El ser del poeta y el no ser de los demás; Mi experiencia ultrasensible con un cable de cien voltios.

Es evidente que el autor desconoce a la perfección varios idiomas; pero con lúgubre modestia, escogió el castellano para no intimidar a quienes apenas lo balbuceamos. En este sentido, ha logrado su propósito: bien que nos cuidaremos en lo sucesivo, de ascender a cualquier diccionario que vaya en esa dirección.

Merece destacarse la armoniosa incoherencia que rige a esta obra. Mi problemático talento hace que deje librado su estudio a la rapacidad (1) de lectores más inteligentes.

Sin embargo, no todo es prosa: veleidades de diagramación han impuesto al tartamudeo de dulces sonetos, frescas liras, sabrosas endechas y similares productos gastronómicos.

Ciertas lagunas en el texto actúan tan eficazmente, que no sólo aportan dilatadas incoherencias, sino también algunas mojarritas.

Recordemos que el autor había colaborado asiduamente (ácidamente) en la página de atrás –al fondo, a la derecha- del papel literario Curri / culum que, bueno es aclararlo, no viene en rollos.

Alguien, rumiando deudas rencorosas contra el escriba, le infirió veintisiete profundas imputaciones de plagio. Nada más falso: lo condenable es la imitación servil de obra valiosa; y aquí no se imita, se copia con franqueza. Tampoco hay modelo valioso, sino producto de ínfima calidad que no puede ser ya desmerecido ni por el más brillante discípulo.

El volumen que analizamos provocó escasa impresión en los Talleres Gráficos Gutenberg: apenas mil ejemplares. Curiosamente, el tiraje fue superior, según lo comprobaron al otro día los basureros del sector. Mide 13 x 19,5 centímetros y pesa medio kilo. Poquísimo, en comparación con lo que le pesará después a quienes lo hubiesen adquirido.

Como candidato al Nobel este objeto, cosa o adminículo, no funcionó; pero como solicitud para promover brindis, resultó sumamente eficaz. ¡Salud, entonces!

(1) Ojo, dactilógrafo: “capacidad” con erre inicial.

Andrés Fidalgo: ¡Sonría por favor!

Fue un excelente escritor argentino, nacido en Buenos Aires, el 7 de marzo de 1919. Pero también fue abogado defensor de presos políticos y de familiares de detenidos desaparecidos en la provincia de Jujuy. Lamentablemente falleció hace un año.

Bo Carter

Bo Carter (Armenter “Bo” Chatmon) tenía una capacidad inigualable para crear metáforas sexuales en sus canciones, especializándose en imágenes obscenas como por ejemplo “Banana in Your Fruit Basket” (una banana en el frutero), “Pin in Your Cushion” (un alfiler en tu almohada)y “Your Biscuits Are Big Enough for Me” (tus galletas son demasiado grandes para mí). Bien, cuando descubra donde están las imágenes chanchitas, les cuento.

Uno de los músicos de blues más populares de los años treinta, grabó suficiente material como para reeditar varios álbumes, y fue un verdadero maestro con el punteo de la guitarra, bastante original. Carter empleaba varias claves diferentes en sus grabaciones, muchas de las cuales son performances vocales o de guitarra sola. Fue el primero en grabar el clásico “Corrine Corrina” (1928).

Bo y sus hermanos Lonnie y Sam Chatmon también grabaron como miembros de los “Mississippi Sheiks” con el cantante y guitarrista Walter Vinson.

Un poco de jazz

Scott Henderson es un guitarrista de jazz fusion y blues, norteamericano, que nació en West Palm Beach, Florida, en 1954 (y con esto descubrí la pólvora).




Scott Henderson (guitarra), Steve Bailey (bajo), T. Lavitz (teclado), Greg Bissonette (batería)

Scott Henderson creció en una época en la que el blues-rock estaba en su cumbre. Sus años de formación musical tuvieron lugar en el sur de Florida, donde tocaba en los clubes con todo tipo de bandas, interpretando de todo, desde Led Zeppelin hasta James Brown. Mientras se perfeccionaba en su instrumento, Henderson se vio influenciado por Jimmy Page, Jeff Beck, Jimi Hendrix, Ritchie Blackmore, y los grandes guitarristas del blues: Albert King y Buddy Guy.

La influencia del jazz le infundió este estilo de interpretación y composición, que lo ha hecho tan famoso.

Scott terminó la escuela en la Florida Atlantic University; luego se trasladó a Los Angeles, donde tocó y grabó con la Elektric Band de Chick Corea, con el violinista Jean-Luc Ponty, el bajista Jeff Berlin, y un periodo de cuatro años con Joe Zawinul, de Weather Report (fue un grupo de jazz-rock que estuvo activo entre 1970 y 1985).



11th International Jazz Festival, Bern 1986. Chick Corea (teclado), Dave Weckl, John Patitucci y Scott Henderson.
Henderson formó la banda Tribal Tech en 1984 con el bajista Gary Willis, y tras nueve años de álbumes aclamados por la crítica, con su álbum “Rocket Science” (lanzado en noviembre del año 2000) demostró ser un intérprete y compositor de nivel internacional. En 1991 fue nombrado por Guitar World el guitarrista de jazz número uno, y en enero de 1992 también fue nombrado Guitarrista de Jazz número uno en la Encuesta Anual de lectores de la revista Guitar Player.




Israel 1995. Scott Henderson (guitarra), Scott Kinsey (teclado), Gary Willis (bajo), y Kirk Covington (batería)

Su primer álbum solista “Dog Party”, una vuelta hacia sus raíces musicales, ganó como el mejor álbum de blues de 1994 en Guitar Player.

El segundo álbum de blues para Mesa/Bluemoon Records unió a Henderson con la legendaria vocalista Thelma Houston. “Tore Down House” fue lanzado en abril de 1997, y recibió cuatro estrellas en comentarios en las revistas Jazz Times, Guitar Player, Guitar, Guitar Shop, y L. A. Jazz Science.

“Well to the Bone”, la tercera obra de Henderson, y la más exitosa como líder, es un trío interpretado en vivo con John Humphrey en bajo y Alan Hertz en batería.

El trío realizó giras exitosas en los Estados Unidos, Europa, América del Sur y Japón, tocando música de sus álbumes de blues, pero también algo de la música grabada por Henderson en Tribal Tech.

Scott además lanzó dos álbumes con “Vital Tech Tones”, un trío en colaboración con el bajista Victor Wooten y el ex líder de Journey/V ital Information, Steve Smith, en batería.

Como pasa siempre con los músicos del calibre de Scott, la demanda es grande, y comparte sus experiencias con la actual generación de guitarristas. Está en el Instituto de Músicos en Hollywood (Musicians Institute), y ha escrito columnas para las revistas Guitar Player, Guitar World, y Guitar School.

Hay dos videos instructivos de Henderson (publicados por Alfred Publishing): “Jazz Fusion Improvisation”, y “Melodic Phrasing”, en un DVD que se llama “Scott Henderson – Jazz Rock Mastery”.

También disponibles están: “Guitar Books” (dos colecciones de sus composiciones, a través de Hal Leonard Publishing), y un libro “Jazz Guitar Chord System”, un método revolucionario para estudiar las pluralidades de la armonía del jazz.

Para visitar su página web,http://www.scotthenderson.net/

Los Sesenta Granaderos

Los Sesenta Granaderos (cueca)

Ante el Cris, ante el Cristo Redentor
se arrodi, se arrodillaba un arriero
y roga, y rogaba por las almas
de los bra, de los bravos granaderos.

Eran se, eran sesenta paisanos,
los sesen, los sesenta granaderos;
eran va, eran valientes cuyanos
de cora, de corazones de acero.

Quiero elevar mi canto como un lamento de tradición
para los granaderos que defendieron a mi nación.
Pido para esas almas que la bendiga Nuestro Señor.

Nuestra Se, Nuestra Señora de Cuyo
contempló la cruzada de los Andes
y bendijo al General San Martín
el más gra, el más grande entre los grandes.
Cuna de, cuna de eternos laureles
Con que se, con que se adorna mi patria,
es Mendó, es Mendoza la guardiana
por ser la, por ser la tierra más gaucha.

Quiero elevar mi canto como un lamento de tradición
para los granaderos que defendieron a mi nación.
Pido para esas almas que la bendiga Nuestro Señor.
(Letra: Hilario Cuadros - Música: Félix P. Cardozo)
Interpretación de Los Chalchaleros

En memoria a los caídos por la Patria

El Regimiento de Granaderos a Caballo General San Martín es una unidad del arma de Caballería del Ejército Argentino, que en estos momentos cumple funciones de guardia presidencial y otras funciones protocolares.

Me duele muchísimo ver a nuestros Granaderos rindiéndole honores a cualquier imbécil que por esas cuestiones de la vida gana una elección, está ocupando un cargo público, vende nuestro país, nos mata de hambre a todos... También debería darnos verguenza a todos los argentinos, como nación, de ver qué estamos haciendo con nuestra patria. La culpa es nuestra, cada país tiene el gobierno que se merece.

Gelem Gelem (himno gitano)

En 1989 ocurre algo inusual en la historia de los gitanos. Las familias provenientes de las distintas tribus se reúnen para defenderse contra la amenaza de una nueva expulsión de un país en donde intentaban establecerse: en este caso, Alemania Occidental.

Originalmente habían huído de Polonia, Yugoslavia y Rumania, debido a la creciente discriminación tras la desintegración del régimen comunista.

“Estamos muertos incluso antes de haber nacido. Vivimos como fantasmas, perseguidos de una ciudad a otra, de un país a otro. Nacer como romaní significa que no tendrás oportunidades. No hay lugar para nosotros. Donde sea que vayas, siempre serás un extraño. Dicen que venimos de la India de hace unos miles de años atrás, pero no tenemos un país propio. Todo lo que queremos es un lugar donde vivir, para enviar a nuestros hijos a la escuela, encontrar un poco de paz y tranquilidad. Pero nadie nos quiere, no tenemos futuro”.

Esto es lo que Vebija Adjovic, jefe de una familia de más de 30 miembros, sentía acerca de su destino, el de su familia, de su pueblo. Fue el primero en defenderse contra las autoridades alemanas, no estaba dispuesto a aceptar la deportación a un país que nunca fue su tierra natal, sino solamente otra estación en una larga ruta de escape por todos los países europeos. Fue el primero, y muchas otras familias le siguieron para formar el primer movimiento de derechos civiles de los romaníes europeos (gitanos).

Gelem Gelem – una canción entonada por los sobrevivientes del terror nazi en su camino hacia los campos de concentración.

Gelem Gelem – una canción que conecta las diferentes tribus del pueblo romaní durante su eterna búsqueda de refugio en toda Europa.

Gelem Gelem – cantado por los romaníes durante su marcha a través de Alemania Occidental para hacer que la gente pensara acerca de su destino y su historia, protestando contra su expulsión, exigiendo sus derechos a establecerse.

Tras la reunificación de los dos estados alemanes, la hostilidad y la violencia contra los inmigrantes y las minorías étnicos fue aumentando. La película Gelem Gelem documenta la lucha de los romaníes por sus derechos humanos básicos. Es la lucha por el derecho a vivir donde uno quiera vivir, la lucha por la aplicación de las recomendaciones del Parlamento Europeo con respecto a la protección de la cultura y la lengua romaní en Europa.

Dos años más tarde, al final de estas acciones, tras una larga serie de declaraciones inútiles y promesas rotas, los romaníes se encuentran ahora en el mismo lugar donde empezar. Pero han tenido una importante experiencia: han aprendido a luchar por sus intereses, sin aceptar limosnas, sin tener que seguir huyendo.

Il mio caro Al Bano...

Va, pensiero, sull'ali dorate,
va, ti posa sui clivi, sui colli,
ore olezzano tepide e molli
l'aure dolci del suolo natal!
Del Giordano le rive saluta
di Sione le torri atterrate...
Oh, mia patria si bella e perduta
Oh, remembranza si cara e fatal!
Arpa d'or dei fatidici vati,
perchè muta del salice pendi?
Le memorie nel petto raccendi,
ci favella del tempo che fu!
O simile di Solima ai fatti
traggi un suono di crudo lamento,
o t'inspiri il Signore un concento
che ne infonda al patire virtù!

Una bella interpretazione che raggiunge la profondità della mia anima. Dedicato con amore per tutti lei!!!

Historias de Don Boyero: Acta de Defunción

Ya les hablé de las casualidades y de lo que pienso de ellas. Hoy les quiero contar acerca de una sorprendente. Hace un par de semanas, llegó a mis manos un documento que data del año 1881 (un año antes del que alude la famosa bebida), y que fue rescatado, vaya a saber por quién, del archivo del partido de La Matanza, Buenos Aires, recién en 1999. La gran casualidad es que llegó por partida doble, con diferencia de un par de minutos, desde dos fuentes distintas.Se trata de un acta de defunción que me acercaron, el mismo día y casi a la misma hora, por vías separadas, mi amiga Sonia Boe (por correo electrónico) y don Dardo Aníbal Tissera (por correo tradicional).

El acta es tan pequeña como sustanciosa y fue encontrada en la foja 98 del libro número dos, del año 1881 en el archivo de la Municipalidad de la Matanza. Transcribirla tal cual, aun con errores de ortografía, sintaxis, gramaticales y de expresión, es una obligación moral y un deber para con mis lectores. Aquí les va:

“El infrascripto, Eusebio Rodríguez, Alcalde, certifico que don Manuel Chico, que muerto lo tengo de cuerpo presente, tapao con un poncho al parecer reyuno, le sorprendió la muerte al salir del baile de Don Rufino ‘El Catalán’, de la quebrada de Doña Pepa, lugar muy conocido y de pública voz y fama en el pago. Interrogao el cadáver por tercera vez, y no habiendo el infrascripto obtenido respuesta categórica alguna, resuelve darle sepultura en el campo de los desaparecidos, conforme cuadra su circunstancia física de que certifico. Nota: hago constar que el finao era muy amante de la bebida y muy dado a las galanterías amorosas, por cuya circunstancia tenía una cicatriz en la quijada izquierda producido por un cucharón de grasa caliente que le arrojó al rostro de la cara (sic) la hija de la parda Nicolasa, no se sabe por qué zafaduría. Vale”.

Después de esta maravilla, no debería decir más nada, pero, además de que me queda espacio, me salgo de la vaina por hacer algunas consideraciones. Note usted que hay ciertas incoherencias que destacan por su peso. Por un lado, el alcalde Eusebio Rodríguez, utiliza con mucho acierto el término “infrascripto”, cuyo significado para la Real Academia Española es “que firma al fin de un escrito”. Por esto, uno piensa que el documento tendrá cierta normalidad y hasta paquetería, pero se arruina a la segunda línea con el “que muerto lo tengo de cuerpo presente”, y el “tapao” a continuación.

En cuanto a “reyuno”, el diccionario explica: “Se decía del caballo que pertenecía al Estado y que como señal llevaba cortada la mitad de la oreja derecha”.

Más adelante se puede encontrar el fantástico “interrogao” y un “finao” que va muy a tono con el lunfardo que se hablaba por esos años en los barrios porteños.

Ahora, si la triple interrogación que no obtiene respuesta categórica alguna no tiene desperdicio, menos el comentario final, con detalles casi conventilleros. Debe haber sido linda la hija de la parda Nicolasa, y lo digo ahora, a salvo por estar a más de un siglo de que sus virtudes le hayan valido al pobre Manuel Chico la desgracia de sufrir un cucharonazo de grasa caliente en el rostro.

Feliz coincidencia, señores, la de este hallazgo documental que me acercaron el mismo día y casi a la misma hora Doña Boe y Don Tissera. -

Jorge Londero: "Acta de Defunción", en: Historias de Don Boyero. Publicado el 1 de julio de 2009, en el diario La Voz del Interior.

Para ver el blog de las Historias de Don Boyero, visiten: http://weblogs.lavozdelinterior.net/forms/frmBlog.aspx?WbId=158

De todos modos, en mi blog voy a seguir publicando sus historias, en especial las que no están publicadas en el blog antes citado. En mi archivo tengo una colección de hace muchísimos años, imperdible!

Un poquito de música: Los Fronterizos, "Mi burrito cordobés" (autor: Gerardo López)

Un´estate italiana

Forse non sara' una canzone
a cambiare le regole del gioco
ma voglio viverla cosi' quest'avventura
senza frontiere e con il cuore in gola

E il mondo in una giostra di colori
e il vento accarezza le bandiere
arriva un brivido
e ti trascina via

e sciogli in un abbraccio la follia

Notti magiche inseguendo un goal
sotto il cielo
di un'estate italiana

E negli occhi tuoi
voglia di vincere
un'estate
un'avventura in piu'

Quel sogno che comincia da bambino
e che ti porta sempre piu' lontano
non e' una favola
-e dagli spogliatoi
escono i ragazzi e siamo noi

Notti magiche
inseguendo un goal
sotto il cielo
di un'estate italiana

E negli occhi tuoi
voglia di vincere
un'estate
un'avventura in piu'

Notti magiche
inseguendo un goal
sotto il cielo
di un'estate italiana

E negli occhi tuoi
voglia di vincere
un'estate
un'avventura in piu'
Goooaaallll!!!!!



Un´estate italiana
Canzone ufficiale mondiali italia 1990

cantanti: Gianna Nannini - Edoardo Bennato