Miroslav Tadic

El guitarrista serbio Miroslav Tadic (con acento en la “c” final) completó su educación formal en los Estados Unidos, después de estudiar en Italia y en su nativa Yugoslavia.

Miroslav Tadic ha tocado y ha grabado en una amplia variedad de ambientes y estilos musicales, yendo desde la música de los periodos Barroco y Clásico hasta el blues, el jazz y el rock. Sus créditos como intérprete y en cuanto a sus grabaciones incluyen proyectos con Terry Riley, la Ópera de Los Ángeles con Plácido Domingo, Howard Levy, Joachim Kühn, Dusan Bogdanovic, Vlatko Stefanovski, Theodosii Spasov, Kudsi Erguner, Djivan Gasparyan, Pandit Swapan Chaudhuri, L. Shankar, Markus Stockhausen, Maria João, David Torn y Jack Bruce, entre otros.

Se lo escucha frecuentemente en Europa, Japón y Estados Unidos. En 1986 Miroslav Tadic conoció al percusionista Mark Nauseef y al maestro de la escultura y grabación sonora, Walter Quintus. De su estrecha colaboración han resultado una gran cantidad de grabaciones y proyectos, previstos para que continúen en el futuro.

En estos últimos años, Miroslav Tadic se ha concentrado en el desarrollo de un enfoque hacia la improvisación, que combina y yuxtapone materiales musicales tomados de diversas fuentes, incluyendo música barroca, clásica europea y del norte de la India , tradiciones folclóricas europeas orientales, blues, jazz, y rock. Es muy conocido por su obra pionera en cuanto a la aplicación de elementos de técnica clásica y flamenca a la guitarra eléctrica.

Las numerosas grabaciones de este excelente guitarrista para ENJA Records, CMP Records, M. A. Recordings, Omagatoki y Third Ear Music, han ganado la aclamación internacional. En la edición de Enero/Febrero de 1994, por ejemplo, los editores de “Acoustic Guitar Magazine” votaron a “Window Mirror”, que incluía la Suite para Laúd en Sol menor, BWV 995, de Bach, (junto con las grabaciones de guitarristas de la talla de Julian Bream y Christopher Parkening), como una de los registros esenciales en guitarra clásica de la década de 1990.

Escribió también música para una serie de películas experimentales galardonadas, obras de teatro y de danza. En su edición de enero de 1997, otro ejemplo, los editores de “Guitar Player” lo votaron como uno de los treinta guitarristas más radicales y más individuales del mundo.

Consejo Publicitario Argentino: Lactancia Materna

Discusión





Deletreo





Sueñito

Violencia Rivas: Precursora Argentina del Punk

Violencia Rivas, una cantante de los años 60, precursora del Punk. Contestataria, muy bocasucia. Un personaje impagable del genial Diego Capusotto.

 

Este tercer episodio contiene una parodia espectacular de la Jueza Parrilli. Los que no son argentinos no lo saben, pero en estos días, en Buenos Aires, una jueza de control reaccionó casi de la misma forma cuando fue a reclamar porque le habían retenido el auto por una multa (me refiero a la parte en que se ve la cámara oculta cuando a Violencia Rivas la llevan a un hospital).

Si Me Voy Antes Que Vos

Si me voy antes que vos

si te dejo en estas tierras

no te asustes de la noche

que en la noche vivo yo

Si me voy antes que vos

si es así que está dispuesto

quiero que tus noticias

hablen del aire y del sol

Quiero que siempre recuerdes

lo que dijimos un día

que cada vez que te ríes

río contigo mi amor

Y no te olvides de algo

que se adivina en la vida

y es que la vida misma

es un milagro de amor.

Si me voy antes que vos

y visito tu silencio

no es para que estés triste

ni para ver tu dolor

Quiero decirte mi amor

en estas torpes palabras

que cada vez que llores

lo sabrá mi corazón

Y no nos encontraremos

pues siempre estuve a tu lado

hacia dónde y hasta cuándo

esas son cosas de Dios

Y no nos encontraremos

pues siempre estuve a tu lado

siempre aunque me vaya antes

es un milagro de amor.

- Si me voy antes que vos

Jaime Roos (uruguayo)

Franck Pourcel

“En el extraño mundo de la farándula, donde se pueden encontrar desde estafadores hasta mercaderes de ilusiones, hay un hombre distinguido, cuya apariencia es más la de un diplomático que la de un artista: Franck Pourcel es un hombre discreto, modesto y sin pretensiones de ninguna clase. Este hombre callado, de elegante silueta, ha grabado y vendido más discos que la mayoría de los artistas franceses combinados. Su carrera se expande por el mundo del espectáculo desde “Candilejas” y “Tango Azul” hasta “Himno para el Concorde” y finalmente “Sólo Tú”. Él es el primer director de orquesta francés que se ha hecho famoso en los Estados Unidos. Estoy ansioso de darle la bienvenida a él y a sus ochenta músicos a mi programa”.

Así describía Michel Drucker en los años setenta a Franck Pourcel (Michel Drucker, periodista, presentador y productor de televisión).

Franck Pourcel (Marseille, 11 de agosto de 1913 - Neuilly-sur-Seine, 12 de noviembre de 2000) fue un destacado director de orquesta francés. Su padre era técnico y músico de la marina francesa.

Su nombre era un tributo al compositor César Franck (su segundo nombre era Marius). A los seis años de edad ingresó en el Conservatorio de Marseille para estudiar violín y percusión, debido a su afición al jazz.

Es considerado, a nivel mundial, como el creador del lounge y la música “easy listening” (fácil de escuchar). Sus obras más famosas incluyen “Only You”, “Arde París”, y “Concorde”, en ocasión del vuelo inaugural del hasta ahora único avión de pasajeros supersónico.

Para visitar su página web, haga click en: http://www.franckpourcel.com/

Franck Pourcel: Concorde (me parece que es su obra más impactante)

Franck Pourcel compuso algunas de las canciones que grabó, pero pocas veces, porque no le gustaban sus propias composiciones.

La más famosa, “Chariot” (compuesta en 1961), empezó como una broma. La compuso junto con sus amigos Paula Mauriat (aparecen los dos con seudónimos, J. W. Stole es Franck Pourcel, y Del Roma es Paula Mauriat) y Raymond Lefevre (con arreglo de Petula Clark). Inventó la historia de que la canción era la banda sonora de una nueva película de “western” producida por la 20th Century Fox. “You´ll never see it”. Con letra de Jacques Plante, Petula Clark la cantó, y obtuvo un gran éxito. En los Estados Unidos la canción fue finalmente adaptada al inglés por Arthur Altman y Norman Gimbel, y fue grabada como “I will follow him” por Little Peggy March (de quince años de edad). Para abreviar, aparece en la película “Sister Act” con Whoopy Wooldberg.

Tito Puente

En virtud de sus formas cálidas, extravagantes, su longevidad, sus constantes giras, y sus apariciones en los medios de comunicación, Tito Puente es posiblemente el símbolo más querido del jazz latino. Pero no solo eso: Puente logró mantener su música bien fresca a lo largo de los años; como un virtuoso de los timbales, combinaba su dominio sobre todos los matices rítmicos con su talento para el espectáculo –ver sus ojos desorbitados cuando emprendía un solo dinámico, era el mayor de los placeres para sus fanáticos de jazz latino. Un músico bien preparado, pero también un fino vibrafonista lírico, un excelente arreglador; tocaba el piano, congas, bongós, y el saxofón. Su encanto sigue llegando a todas las edades y grupos étnicos, sin dudas con la ayuda de las versiones más vendidas de Santana de “Oye como va” y “Para los rumberos” en 1970-1971, y sus actuaciones especiales en “The Cosby Show” en los años de 1980 y la película “Los reyes del Mambo” en 1992. Su estilo de salsa clásico en general está libre de sustratos oscuros, irradiando una atmósfera festiva vibrante, alegre, bailable compulsivamente.

Arraigado en el Harlem español, descendiente puertorriqueño, Puente ya estaba destinado a convertirse en bailarín, pero este sueño se vio truncado por un accidente en el que se desgarró los tendones. A los 13 años de edad, comenzó a trabajar la banda de Ramón Olivero como baterista, y más tarde empezó a estudiar composición, orquestación, y piano, en Juilliard y en la New York School of Music. Y lo más importante todavía, fue que tocó con (y absorbió la influencia de) Machito, que estaba fusionando con mucho éxito ritmos latinos con jazz progresivo. En 1947 formó el grupo Piccadilly Boys, de nueve integrantes, y luego aumentó este número hasta formar una verdadera orquesta dos años más tarde; grabó para Seeco, Tico, y finalmente para RCA Victor, ayudando a alimentar la locura por el mambo hasta el punto que le dio el título (no oficial pero que le quedó de por vida) de “Rey del Mambo”, o simplemente “El Rey”.

Puente también ayudó a popularizar el cha-cha-cha durante la década de 1950, y fue el único no-cubano invitado a las celebraciones por los “50 años de Música Cubana”, patrocinadas por el gobierno, en Cuba en 1952.

Entre los congueros de las “grandes ligas” que tocaron con la banda de Tito Puente en los años 50 estuvieron Mongo Santamaría, Willie Bobo, Johnny Pacheco, y Ray Barreto, encuentros que daban lugar a explosivos tiroteos de percusión (bongós). El rango de Puente se extendió hacia una gran banda de jazz (Puente Goes Jazz), y en los años de 1960, melodías de bossa nova, hits de Broadway, boogaloos, y pop music, aunque años más tarde se inclinó más a quedarse con los antiguos estilos de jazz latino, que se conocieron popularmente como “salsa”.

En 1982 comenzó a desenrollar las cuerdas de varios álbumes de jazz latino con octetos o grandes bandas, para Concord Picante, lo que le dio un mayor grado de exposición y respeto en el mundo del Jazz.

Un incansable visitante de los estudios de grabación, Puente grabó su álbum número 100, “The Mambo King”, en 1991, entre grandes ceremonias y afectos (un concierto con todas las estrellas de la música latina en el Universal Amphitheatre de Los Angeles en marzo de 1992 conmemoré este hito), y se mantuvo agregando más títulos a lo largo de los años 90.

En varias oportunidades apareció como invitado en álbumes, y estrellas del jazz como Phil Woods, George Shearing, James Moody, Dave Valentin, y Terry Gibas tocaron más tarde en álbumes de Tito Puente.

Apenas unos meses después de haber recibido su quinto premio Grammy, murió el 1 de junio del año 2000. Poco después, Puente fue reconocido en la primera entrega anual de los premios Grammy Latinos, ganando como mejor performance tropical tradicional por “Mambo Birdland”.

Tito Puente, "El rey del timbal", en un trío de timbales con los hermanos Pete y Sheila Escovedo.

Tito Puente y El Canario: Oye como va

Sheila E y Tito Puente

Fuente: All Music (http://www.allmusic.com/)

http://www.allmusic.com/cg/amg.dll?p=amg&sql=11:fifpxqw5ld0e~T1

Bibliográficas (Andrés Fidalgo)

La que ahora comentaremos es obra extra-ordinaria. Durante la convalescencia que siguió a su lectura, registramos una serie de notas y cálculos (biliares), que pasamos a expedir.

El libro consta, fundamentalmente, de dos partes:

La primera, una hermosa tapa de cuerina, seguida de portadilla, portada y constancia de inscripción en cierto de propiedad intelectual; detalle este último que motivó ya el pedido de editores piratas para que se otorgue al autor el premio nacional de humorismo.

La segunda, contiene índice y colofón (que no debe ser confundido con el calefón mencionado en el tango Cambalache), para terminar con un impoluto pie de imprenta suscripto por el eminente doctor Scholl.

Entre ambas partes fluctúa una gelatina de quinientas páginas, en la cual se mueven nimiedades o circulan intrascendencias, disimuladas bajo títulos tan sutiles como: Angustias metafísicas después de almorzar; Yo y otras cosas de menor importancia; El ser del poeta y el no ser de los demás; Mi experiencia ultrasensible con un cable de cien voltios.

Es evidente que el autor desconoce a la perfección varios idiomas; pero con lúgubre modestia, escogió el castellano para no intimidar a quienes apenas lo balbuceamos. En este sentido, ha logrado su propósito: bien que nos cuidaremos en lo sucesivo, de ascender a cualquier diccionario que vaya en esa dirección.

Merece destacarse la armoniosa incoherencia que rige a esta obra. Mi problemático talento hace que deje librado su estudio a la rapacidad (1) de lectores más inteligentes.

Sin embargo, no todo es prosa: veleidades de diagramación han impuesto al tartamudeo de dulces sonetos, frescas liras, sabrosas endechas y similares productos gastronómicos.

Ciertas lagunas en el texto actúan tan eficazmente, que no sólo aportan dilatadas incoherencias, sino también algunas mojarritas.

Recordemos que el autor había colaborado asiduamente (ácidamente) en la página de atrás –al fondo, a la derecha- del papel literario Curri / culum que, bueno es aclararlo, no viene en rollos.

Alguien, rumiando deudas rencorosas contra el escriba, le infirió veintisiete profundas imputaciones de plagio. Nada más falso: lo condenable es la imitación servil de obra valiosa; y aquí no se imita, se copia con franqueza. Tampoco hay modelo valioso, sino producto de ínfima calidad que no puede ser ya desmerecido ni por el más brillante discípulo.

El volumen que analizamos provocó escasa impresión en los Talleres Gráficos Gutenberg: apenas mil ejemplares. Curiosamente, el tiraje fue superior, según lo comprobaron al otro día los basureros del sector. Mide 13 x 19,5 centímetros y pesa medio kilo. Poquísimo, en comparación con lo que le pesará después a quienes lo hubiesen adquirido.

Como candidato al Nobel este objeto, cosa o adminículo, no funcionó; pero como solicitud para promover brindis, resultó sumamente eficaz. ¡Salud, entonces!

(1) Ojo, dactilógrafo: “capacidad” con erre inicial.

Andrés Fidalgo: ¡Sonría por favor!

Fue un excelente escritor argentino, nacido en Buenos Aires, el 7 de marzo de 1919. Pero también fue abogado defensor de presos políticos y de familiares de detenidos desaparecidos en la provincia de Jujuy. Lamentablemente falleció hace un año.

Bo Carter

Bo Carter (Armenter “Bo” Chatmon) tenía una capacidad inigualable para crear metáforas sexuales en sus canciones, especializándose en imágenes obscenas como por ejemplo “Banana in Your Fruit Basket” (una banana en el frutero), “Pin in Your Cushion” (un alfiler en tu almohada)y “Your Biscuits Are Big Enough for Me” (tus galletas son demasiado grandes para mí). Bien, cuando descubra donde están las imágenes chanchitas, les cuento.

Uno de los músicos de blues más populares de los años treinta, grabó suficiente material como para reeditar varios álbumes, y fue un verdadero maestro con el punteo de la guitarra, bastante original. Carter empleaba varias claves diferentes en sus grabaciones, muchas de las cuales son performances vocales o de guitarra sola. Fue el primero en grabar el clásico “Corrine Corrina” (1928).

Bo y sus hermanos Lonnie y Sam Chatmon también grabaron como miembros de los “Mississippi Sheiks” con el cantante y guitarrista Walter Vinson.

Un poco de jazz

Scott Henderson es un guitarrista de jazz fusion y blues, norteamericano, que nació en West Palm Beach, Florida, en 1954 (y con esto descubrí la pólvora).




Scott Henderson (guitarra), Steve Bailey (bajo), T. Lavitz (teclado), Greg Bissonette (batería)

Scott Henderson creció en una época en la que el blues-rock estaba en su cumbre. Sus años de formación musical tuvieron lugar en el sur de Florida, donde tocaba en los clubes con todo tipo de bandas, interpretando de todo, desde Led Zeppelin hasta James Brown. Mientras se perfeccionaba en su instrumento, Henderson se vio influenciado por Jimmy Page, Jeff Beck, Jimi Hendrix, Ritchie Blackmore, y los grandes guitarristas del blues: Albert King y Buddy Guy.

La influencia del jazz le infundió este estilo de interpretación y composición, que lo ha hecho tan famoso.

Scott terminó la escuela en la Florida Atlantic University; luego se trasladó a Los Angeles, donde tocó y grabó con la Elektric Band de Chick Corea, con el violinista Jean-Luc Ponty, el bajista Jeff Berlin, y un periodo de cuatro años con Joe Zawinul, de Weather Report (fue un grupo de jazz-rock que estuvo activo entre 1970 y 1985).



11th International Jazz Festival, Bern 1986. Chick Corea (teclado), Dave Weckl, John Patitucci y Scott Henderson.
Henderson formó la banda Tribal Tech en 1984 con el bajista Gary Willis, y tras nueve años de álbumes aclamados por la crítica, con su álbum “Rocket Science” (lanzado en noviembre del año 2000) demostró ser un intérprete y compositor de nivel internacional. En 1991 fue nombrado por Guitar World el guitarrista de jazz número uno, y en enero de 1992 también fue nombrado Guitarrista de Jazz número uno en la Encuesta Anual de lectores de la revista Guitar Player.




Israel 1995. Scott Henderson (guitarra), Scott Kinsey (teclado), Gary Willis (bajo), y Kirk Covington (batería)

Su primer álbum solista “Dog Party”, una vuelta hacia sus raíces musicales, ganó como el mejor álbum de blues de 1994 en Guitar Player.

El segundo álbum de blues para Mesa/Bluemoon Records unió a Henderson con la legendaria vocalista Thelma Houston. “Tore Down House” fue lanzado en abril de 1997, y recibió cuatro estrellas en comentarios en las revistas Jazz Times, Guitar Player, Guitar, Guitar Shop, y L. A. Jazz Science.

“Well to the Bone”, la tercera obra de Henderson, y la más exitosa como líder, es un trío interpretado en vivo con John Humphrey en bajo y Alan Hertz en batería.

El trío realizó giras exitosas en los Estados Unidos, Europa, América del Sur y Japón, tocando música de sus álbumes de blues, pero también algo de la música grabada por Henderson en Tribal Tech.

Scott además lanzó dos álbumes con “Vital Tech Tones”, un trío en colaboración con el bajista Victor Wooten y el ex líder de Journey/V ital Information, Steve Smith, en batería.

Como pasa siempre con los músicos del calibre de Scott, la demanda es grande, y comparte sus experiencias con la actual generación de guitarristas. Está en el Instituto de Músicos en Hollywood (Musicians Institute), y ha escrito columnas para las revistas Guitar Player, Guitar World, y Guitar School.

Hay dos videos instructivos de Henderson (publicados por Alfred Publishing): “Jazz Fusion Improvisation”, y “Melodic Phrasing”, en un DVD que se llama “Scott Henderson – Jazz Rock Mastery”.

También disponibles están: “Guitar Books” (dos colecciones de sus composiciones, a través de Hal Leonard Publishing), y un libro “Jazz Guitar Chord System”, un método revolucionario para estudiar las pluralidades de la armonía del jazz.

Para visitar su página web,http://www.scotthenderson.net/

Los Sesenta Granaderos

Los Sesenta Granaderos (cueca)

Ante el Cris, ante el Cristo Redentor
se arrodi, se arrodillaba un arriero
y roga, y rogaba por las almas
de los bra, de los bravos granaderos.

Eran se, eran sesenta paisanos,
los sesen, los sesenta granaderos;
eran va, eran valientes cuyanos
de cora, de corazones de acero.

Quiero elevar mi canto como un lamento de tradición
para los granaderos que defendieron a mi nación.
Pido para esas almas que la bendiga Nuestro Señor.

Nuestra Se, Nuestra Señora de Cuyo
contempló la cruzada de los Andes
y bendijo al General San Martín
el más gra, el más grande entre los grandes.
Cuna de, cuna de eternos laureles
Con que se, con que se adorna mi patria,
es Mendó, es Mendoza la guardiana
por ser la, por ser la tierra más gaucha.

Quiero elevar mi canto como un lamento de tradición
para los granaderos que defendieron a mi nación.
Pido para esas almas que la bendiga Nuestro Señor.
(Letra: Hilario Cuadros - Música: Félix P. Cardozo)
Interpretación de Los Chalchaleros

En memoria a los caídos por la Patria

El Regimiento de Granaderos a Caballo General San Martín es una unidad del arma de Caballería del Ejército Argentino, que en estos momentos cumple funciones de guardia presidencial y otras funciones protocolares.

Me duele muchísimo ver a nuestros Granaderos rindiéndole honores a cualquier imbécil que por esas cuestiones de la vida gana una elección, está ocupando un cargo público, vende nuestro país, nos mata de hambre a todos... También debería darnos verguenza a todos los argentinos, como nación, de ver qué estamos haciendo con nuestra patria. La culpa es nuestra, cada país tiene el gobierno que se merece.

Gelem Gelem (himno gitano)

En 1989 ocurre algo inusual en la historia de los gitanos. Las familias provenientes de las distintas tribus se reúnen para defenderse contra la amenaza de una nueva expulsión de un país en donde intentaban establecerse: en este caso, Alemania Occidental.

Originalmente habían huído de Polonia, Yugoslavia y Rumania, debido a la creciente discriminación tras la desintegración del régimen comunista.

“Estamos muertos incluso antes de haber nacido. Vivimos como fantasmas, perseguidos de una ciudad a otra, de un país a otro. Nacer como romaní significa que no tendrás oportunidades. No hay lugar para nosotros. Donde sea que vayas, siempre serás un extraño. Dicen que venimos de la India de hace unos miles de años atrás, pero no tenemos un país propio. Todo lo que queremos es un lugar donde vivir, para enviar a nuestros hijos a la escuela, encontrar un poco de paz y tranquilidad. Pero nadie nos quiere, no tenemos futuro”.

Esto es lo que Vebija Adjovic, jefe de una familia de más de 30 miembros, sentía acerca de su destino, el de su familia, de su pueblo. Fue el primero en defenderse contra las autoridades alemanas, no estaba dispuesto a aceptar la deportación a un país que nunca fue su tierra natal, sino solamente otra estación en una larga ruta de escape por todos los países europeos. Fue el primero, y muchas otras familias le siguieron para formar el primer movimiento de derechos civiles de los romaníes europeos (gitanos).

Gelem Gelem – una canción entonada por los sobrevivientes del terror nazi en su camino hacia los campos de concentración.

Gelem Gelem – una canción que conecta las diferentes tribus del pueblo romaní durante su eterna búsqueda de refugio en toda Europa.

Gelem Gelem – cantado por los romaníes durante su marcha a través de Alemania Occidental para hacer que la gente pensara acerca de su destino y su historia, protestando contra su expulsión, exigiendo sus derechos a establecerse.

Tras la reunificación de los dos estados alemanes, la hostilidad y la violencia contra los inmigrantes y las minorías étnicos fue aumentando. La película Gelem Gelem documenta la lucha de los romaníes por sus derechos humanos básicos. Es la lucha por el derecho a vivir donde uno quiera vivir, la lucha por la aplicación de las recomendaciones del Parlamento Europeo con respecto a la protección de la cultura y la lengua romaní en Europa.

Dos años más tarde, al final de estas acciones, tras una larga serie de declaraciones inútiles y promesas rotas, los romaníes se encuentran ahora en el mismo lugar donde empezar. Pero han tenido una importante experiencia: han aprendido a luchar por sus intereses, sin aceptar limosnas, sin tener que seguir huyendo.

Il mio caro Al Bano...

Va, pensiero, sull'ali dorate,
va, ti posa sui clivi, sui colli,
ore olezzano tepide e molli
l'aure dolci del suolo natal!
Del Giordano le rive saluta
di Sione le torri atterrate...
Oh, mia patria si bella e perduta
Oh, remembranza si cara e fatal!
Arpa d'or dei fatidici vati,
perchè muta del salice pendi?
Le memorie nel petto raccendi,
ci favella del tempo che fu!
O simile di Solima ai fatti
traggi un suono di crudo lamento,
o t'inspiri il Signore un concento
che ne infonda al patire virtù!

Una bella interpretazione che raggiunge la profondità della mia anima. Dedicato con amore per tutti lei!!!

Historias de Don Boyero: Acta de Defunción

Ya les hablé de las casualidades y de lo que pienso de ellas. Hoy les quiero contar acerca de una sorprendente. Hace un par de semanas, llegó a mis manos un documento que data del año 1881 (un año antes del que alude la famosa bebida), y que fue rescatado, vaya a saber por quién, del archivo del partido de La Matanza, Buenos Aires, recién en 1999. La gran casualidad es que llegó por partida doble, con diferencia de un par de minutos, desde dos fuentes distintas.Se trata de un acta de defunción que me acercaron, el mismo día y casi a la misma hora, por vías separadas, mi amiga Sonia Boe (por correo electrónico) y don Dardo Aníbal Tissera (por correo tradicional).

El acta es tan pequeña como sustanciosa y fue encontrada en la foja 98 del libro número dos, del año 1881 en el archivo de la Municipalidad de la Matanza. Transcribirla tal cual, aun con errores de ortografía, sintaxis, gramaticales y de expresión, es una obligación moral y un deber para con mis lectores. Aquí les va:

“El infrascripto, Eusebio Rodríguez, Alcalde, certifico que don Manuel Chico, que muerto lo tengo de cuerpo presente, tapao con un poncho al parecer reyuno, le sorprendió la muerte al salir del baile de Don Rufino ‘El Catalán’, de la quebrada de Doña Pepa, lugar muy conocido y de pública voz y fama en el pago. Interrogao el cadáver por tercera vez, y no habiendo el infrascripto obtenido respuesta categórica alguna, resuelve darle sepultura en el campo de los desaparecidos, conforme cuadra su circunstancia física de que certifico. Nota: hago constar que el finao era muy amante de la bebida y muy dado a las galanterías amorosas, por cuya circunstancia tenía una cicatriz en la quijada izquierda producido por un cucharón de grasa caliente que le arrojó al rostro de la cara (sic) la hija de la parda Nicolasa, no se sabe por qué zafaduría. Vale”.

Después de esta maravilla, no debería decir más nada, pero, además de que me queda espacio, me salgo de la vaina por hacer algunas consideraciones. Note usted que hay ciertas incoherencias que destacan por su peso. Por un lado, el alcalde Eusebio Rodríguez, utiliza con mucho acierto el término “infrascripto”, cuyo significado para la Real Academia Española es “que firma al fin de un escrito”. Por esto, uno piensa que el documento tendrá cierta normalidad y hasta paquetería, pero se arruina a la segunda línea con el “que muerto lo tengo de cuerpo presente”, y el “tapao” a continuación.

En cuanto a “reyuno”, el diccionario explica: “Se decía del caballo que pertenecía al Estado y que como señal llevaba cortada la mitad de la oreja derecha”.

Más adelante se puede encontrar el fantástico “interrogao” y un “finao” que va muy a tono con el lunfardo que se hablaba por esos años en los barrios porteños.

Ahora, si la triple interrogación que no obtiene respuesta categórica alguna no tiene desperdicio, menos el comentario final, con detalles casi conventilleros. Debe haber sido linda la hija de la parda Nicolasa, y lo digo ahora, a salvo por estar a más de un siglo de que sus virtudes le hayan valido al pobre Manuel Chico la desgracia de sufrir un cucharonazo de grasa caliente en el rostro.

Feliz coincidencia, señores, la de este hallazgo documental que me acercaron el mismo día y casi a la misma hora Doña Boe y Don Tissera. -

Jorge Londero: "Acta de Defunción", en: Historias de Don Boyero. Publicado el 1 de julio de 2009, en el diario La Voz del Interior.

Para ver el blog de las Historias de Don Boyero, visiten: http://weblogs.lavozdelinterior.net/forms/frmBlog.aspx?WbId=158

De todos modos, en mi blog voy a seguir publicando sus historias, en especial las que no están publicadas en el blog antes citado. En mi archivo tengo una colección de hace muchísimos años, imperdible!

Un poquito de música: Los Fronterizos, "Mi burrito cordobés" (autor: Gerardo López)

Un´estate italiana

Forse non sara' una canzone
a cambiare le regole del gioco
ma voglio viverla cosi' quest'avventura
senza frontiere e con il cuore in gola

E il mondo in una giostra di colori
e il vento accarezza le bandiere
arriva un brivido
e ti trascina via

e sciogli in un abbraccio la follia

Notti magiche inseguendo un goal
sotto il cielo
di un'estate italiana

E negli occhi tuoi
voglia di vincere
un'estate
un'avventura in piu'

Quel sogno che comincia da bambino
e che ti porta sempre piu' lontano
non e' una favola
-e dagli spogliatoi
escono i ragazzi e siamo noi

Notti magiche
inseguendo un goal
sotto il cielo
di un'estate italiana

E negli occhi tuoi
voglia di vincere
un'estate
un'avventura in piu'

Notti magiche
inseguendo un goal
sotto il cielo
di un'estate italiana

E negli occhi tuoi
voglia di vincere
un'estate
un'avventura in piu'
Goooaaallll!!!!!



Un´estate italiana
Canzone ufficiale mondiali italia 1990

cantanti: Gianna Nannini - Edoardo Bennato

Encuesta de Gestión

DIOS le agradece su creencia y patrocinio. Para poder servir mejor sus necesidades, EL le pide que tome unos minutos para contestar a las siguientes preguntas.

Por favor, tenga en cuenta que sus respuestas se tratarán de manera absolutamente confidencial y que usted no tendrá que revelar su nombre ni dirección salvo que quiera una respuesta directa a sus comentarios o sugerencias.

¿Cómo se enteró de la existencia de Dios?

[_] Periódico
[_] Televisión
[_] Comentarios
[_] Revista del corazón
[_] Biblia
[_] Torah
[_] Otro libro
[_] Inspiración divina
[_] Experiencia cercana a la muerte
[_] Arbusto en llamas
[_] Otro (especifique): _____________


¿Que modelo de Dios adquirió?

[_] Yaveh
[_] Jehová
[_] Alá
[_] Dios
[_] Triplete Padre, Hijo y Espíritu Santo
[_] Jesús
[_] Satán
[_] Ninguno de los anteriores, fui engañado por un dios falso


¿Dios le llegó a usted sin daños, con todas sus partes en orden y funcionamiento y sin roturas evidentes o atributos ausentes?

[_] Si
[_] No.

Por favor describa los problemas que encontró inicialmente: __________________

¿Cuáles fueron los factores relevantes en su decisión de adquirir un dios? (Por favor, marque los que correspondan)

[_] Adoctrinado por los padres
[_] Adoctrinado por la sociedad
[_] Un amigo imaginario mayor
[_] Conocer chicas/os
[_] Ganas de joder a los padres
[_] Necesidad desesperada de certeza
[_] Necesidad de sentirse Moralmente Superior
[_] Necesidad de una razón para vivir
[_] Necesidad de definir a quienes despreciar
[_] Odio pensar por mí mismo
[_] Miedo a la muerte
[_] Necesidad de un día libre sin trabajo
[_] Gusto por la música de órgano
[_] Mi arbusto se prendió fuego y me conminó a hacerlo

¿Había usted adorado a un Dios con anterioridad? Si era así, ¿que falso dios era el que lo tenía engañado? (Por favor, marque los que correspondan)

[_] Odín
[_] Zeus
[_] Apolo
[_] Ra
[_] El gran Espíritu
[_] El Sol
[_] La Luna
[_] La Bomba
[_] Menem
[_] El Sagrado Dolar
[_] Liberalismo izquierdista
[_] El dragon Barney
[_] La Gran Calabaza (o el ratoncito Perez)
[_] Bill Clinton
[_] Un repollo ardiente
[_] Otro: ________________


¿Usa actualmente cualquier otra fuente de inspiración además de Dios? (Por favor, marque los que correspondan)

[_] Tarot
[_] Astrología
[_] Galletas de la fortuna
[_] Psychic Friends Network
[_] Líneas de la mano
[_] Libros de autoayuda
[_] Biorritmos
[_] Hojas de Te
[_] Mantras
[_] Cristales
[_] Pirámides
[_] Pólizas de seguros
[_] Barney T.B.P.D.
[_] El ratón Perez
[_] Lotería
[_] Televisión
[_] Evita Perón
[_] Dianética
[_] Playboy y/o Playgirl
[_] Sex, Drugs and Rock and Roll
[_] Bill Clinton
[_] EST
[_] Sacrificio humano
[_] Perderse por el desierto
[_] Arbustos flamígeros
[_] Otros: _____________________
[_] Ninguno


Dios emplea un grado limitado de Intervención Divina para preservar el nivel o balance entre presencia percibida y fe ciega. ¿Que es lo que usted prefiere? (marque solo uno)

[_] Más Intervención Divina
[_] Menos Intervención Divina
[_] El nivel actual de Intervención Divina es correcto
[_] No se... ¿Que es la Intervención Divina?


Dios también intenta mantener un balance en el nivel de desastres y milagros. Por favor puntue en una escala de 1 a 5 (1: insatisfactorio - 5: excelente)

Desastres
- Inundación: [1] [2] [3] [4] [5]
- Hambrunas: [1] [2] [3] [4] [5]
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El Canto de las Ballenas Jorobadas

Las ballenas jorobadas cantan algunas de las canciones más bellas de la Tierra.

Una “frase” está compuesta por varios “elementos” repetidos. Frases repetidas se cantan en conjunto para formar un “tema”, y varios “temas” forman una “canción” completa.

Las ballenas jorobadas cantan algunas de las canciones más complejas y hermosas que se conocen. La unidad básica de la canción es un sonido simple o “elemento”. Pueden ser gruñidos altos, quejidos más bajos, rugidos, vibraciones (trinos), y gorjeos, y están dispuestos en simples patrones repetitivos, por lo general con dos o cuatro tipos de sonido diferentes. A su vez, estas breves cadenas de sonidos repetidas varias veces forman “frases”.

Una colección de frases idénticas se conoce como “tema”, y el cantante va de un tema a otro sin pausa. Puede haber hasta siete u ocho temas en una canción, y se cantan en un orden específico, del primero al último. Después del último tema, la ballena cantora sube a la superficie, toma un poco de aire, y luego comienza nuevamente a entonar sus deliciosas melodías, desde el primer tema.

Cada canción (un conjunto de temas completo) puede durar entre seis y quince minutos.

El canto de las ballenas jorobadas fue descrito por primera vez en 1971. Desde entonces, a pesar de los innumerables trabajos hechos, se sabe muy poco acerca de cómo y por qué las ballenas cantan. Se sabe que los machos producen los sonidos más largos. Es probable que, como los machos cantan principalmente durante el periodo reproductivo, la canción se relacione con el apareamiento. Ahora, si esto se usa para atraer a las hembras o para asustar a los machos competidores, no está claro (todavía).

El sonido en sí mismo en un fenómeno sorprendente. Es altamente estructurado y, en algún momento, todos los machos de la población cantan la misma canción, utilizando los mismos sonidos dispuestos en el mismo patrón. Pero sin embargo con el tiempo este patrón cambia: y todos los “cantantes” hacen el mismo cambio a sus sonidos. Después de unos pocos años, la canción queda bastante diferente, pero todos siguen esos cambios y siguen cantando.

El sueño de todo Hombre

Y de yapa...





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Amazing Blondel

Amazing blondel es una banda inglesa de folk progresivo acústico. Sus miembros son: Eddie Baird, John Gladwin y Terry Wincott. A veces se los caracteriza como “psycho folk” o como rock folclórico medieval. Pero en realidad su música es más bien una reinvención de la música renacentista, basándose en el uso de instrumentos de ese periodo, como por ejemplo el laúd y la flauta dulce.

John Gladwin y Terry Wincott habían tocado en una banda “eléctrica” chillona llamada Methuselah (Matusalén). Cuando en 1969 dejaron la banda, comenzaron a trabajar en su propio material acústico.

Al principio su material se derivaba de la música folclórica, en sintonía con muchos otros intérpretes de la época. Pero no obstante comenzaron a desarrollar su propio lenguaje musical, influenciado en cierto punto por anteriores “revivalistas” como David Munrow, y por sus memorias de la infancia respecto a la serie de televisión “Robin Hood”, con su banda de sonido pseudo-medieval de Elton Hayes.

La banda recibió el nombre a partir de un personaje llamado Blondel de Nesle, músico de la corte del rey Ricardo I. De acuerdo con la leyenda, cuando Ricardo fue hecho prisionero, Blondel viajó por toda Europa central, cantando en todos los castillos para localizar así al rey y ayudarlo a escapar. El nombre le fue sugerido a la banda por un chef llamado Eugene McCoy, quien escuchó algunas de las canciones y comentó: “Oh, very Blondel!” y así comenzaron a usarlo. Luego se les pidió que agregaran un adjetivo (del estilo, por ejemplo, de The Incredible String Band), y así se conviertieron en “Amazing Blondel”.

Miembros de la banda

John David Gladwin y Edward Baird nacieron y se criaron en Scunthorpe, Lincolnshire; Terence Alan Wincott nació en Hampshire, pero luego se trasladó a Scunthorpe.

Todos ellos eran músicos excelentes. Gladwin cantaba y tocaba: guitarra de doce cuerdas, laúd, contrabajo, theorbo, cítara, tabor y campanas tubulares. Wincott cantaba y tocaba: guitarra de seis cuerdas, harmonium, flauta dulce, ocarina, conga, crumhorn (corno), órgano de tubos, tabor, clavecín, piano, melotrón, bongós y percusión. Baird cantaba y tocaba: laúd, glockenspiel, cítara, dulcimer (dulcémele), guitarra de doce cuerdas y percusión.

Instrumentos

Como ya vimos, Amazing Blondel utilizaba una amplia gama de instrumentos. Pero lo más importante para su sonoridad era el uso de los laúdes y las flautas dulces.

Al realizar giras artísticas, notaron que el laúd resultaba bastante difícil de ejecutar en un escenario (en términos de amplificación y afinación), y en 1971 encargaron la fabricación de guitarras de siete cuerdas, que podían tocarse en la misma afinación que los laúdes. El diseño y la construcción de de estos instrumentos estuvieron a cargo de David Rubio, quien fabricaba guitarras clásicas, laúdes y otros instrumentos antiguos para intérpretes clásicos (incluyendo a Julian Bream y John Williams).

El instrumento de Gladwin fue diseñado para tener un sonido ligeramente más bajo, y se utilizaba principalmente como acompañamiento; mientras que el de Baird tenía un énfasis un poquito más agudo. Los dos instrumentos funcionaban muy bien individualmente, pero también armonizaban increíblemente juntos. Además resultaron ser estables (desde el punto de vista de la afinación) para ejecuciones en el escenario. Finalmente, en las guitarras se incorporaron micrófonos internos para simplificar la amplificación.

Estilo musical

Es muy difícil de encuadrar. La mayor parte de su música fue compuesta por ellos mismos, pero se basaba en la forma y la estructura de la música renacentista. Por ejemplo, presentaban pavanas, galiardas y madrigales. A veces se la describe como “psycho folk”, pero posiblemente les hubiera molestado a los mismísimos miembros de la comunidad psicodélica y la folclórica. Terry Wincott la describía como “música pseudo-Elizabethiana/Clásica acústica cantada con acento británico”. Eddie Baird no tenía la menor idea.

Su música ha sido comparada con la de Gryphon y Pentangle; pero en realidad Amazing Blondel no capturó las influencias del rock (como Gryphon) ni tampoco del jazz (como Pentangle). También se los compara con Jethro Tull.

Para visitar su página: http://www.amazingblondel.com/

Lincoln Cathedral, 1972 (album "England")



Noruega, 2004